jueves, 21 de mayo de 2009

José Guerrero: Los años primeros 1931-1950


Esta exposición se centra en los años de formación del pintor. Nos permite seguir su trayectoria en la búsqueda de la abstracción .

Es fácil distinguir cada etapa y seguir el recorrido del artista ya que la catalogación de las obras, de manera cronológica y temática, hace que el proceso de evolución se nos muestre de forma ordenada hasta llegar a la última sala en la que la abstracción está del todo presente.

Por tanto la exposición se nos muestra como un conjunto de experiencias que el artista va adquiriendo a lo largo de su recorrido artístico para poder llegar así a la abstracción.


Para mi es lo más interesante de la exposición; el poder ver la evolución de José Guerrero, sus tanteos, sus méritos, su estudio del color y de la forma...Poder percibir como su obra va evolucionando, modificándose de una manera lógica. Todos los cambios que va adquiriendo es por el bien de una búsqueda que parece estar en todo momento definida y dirigida hacia un solo fin: la abstracción, el simbolismo, la sumisión de la forma al dialogo entre color y textura.

En toda su obra está muy presente el mundo de la alegoría y del misticismo que es algo casi intrínseco e imprescindible dentro de las obras de José Guerrero. Este misticismo se ve influido por su forma de pintar, despreocupada y atrevida, llena de sentimiento y sensaciones, prescindiendo de la realidad.

La exposición esta dividida en varias salas con muy diferenciadas épocas del artista:

La primera sala “Granada 1931-1946”, se compone de obras que el autor ha realizado sobre esta ciudad. Se encuentran varias acuarelas y óleos en las que se representan paisajes excepto en la obra Gitanos granadinos que sería la única representación de personajes dotados de detalles en toda la exposición puesto que más adelante, en obras como La era de La Alberca, los personajes se muestran de forma poco descriptiva, a modo de manchas y de manera casi icónica.


La segunda sala “La Alberca y otros viajes desde Madrid, 1945-1946” , presenta los trabajos dedicados a La Alberca, las tradiciones hispánicas , lo pintoresco y las esencias religiosas de sus habitantes. Las pinceladas gruesas y atrevidas son el centro de atención en estas obras. Dotan de movimiento al cuadro, de un entorno vivaz y vibrante. Incluso los edificios parecen tener vida gracias a la dirección de las pinceladas, dispersas en la obra pero dirigidas. En la Era de La Alberca (1946) es fácil ver como la hierba danza con el viento, se amontona o se aplasta

 aún estando ausente todo detalle. Las figuras aparecen pintadas por varias pinceladas perdiendo todo el detalle y el realismo pero sin olvidar su significado. En pocas manchas seguimos percibiendo la

 forma de un ser humano o un caballo y su actitud con el entorno.




En la habitación destinada a “Suiza, Roma, Bélgica, Londres, 1947-1949” dan cuenta del tratamiento, progresivamente sintético, que Guerrero haría de los espacios. El detalle prácticamente no existe y las formas son cada vez mas amorfas y atrevidas, apostando por su expresividad más que por su veracidad. A estas alturas de su producción ya se muestran algunas constantes en su trabajo: el interés manifestado por los márgenes y por las aguas o mas bien por las orillas. Aparece un dinamismo compositivo en el que prevalecen las diagonales como es el caso del Paisaje del lago Thun (1947).





Sus obras están repletas de límites definidos a través de cambios brusco del colores componiendo así las imágenes por diferentes piezas, casi a modo de puzzle en el que todas las piezas encajan. Es el caso de Panorámica de Roma (1948) o La aparición 1946 donde los límites están presentes de una manera drástica.





Las acuarelas que se exponen son de una fuerza y frescura envidiables como la de Vendedor de pescado (1949) .Quizás es la pureza del color y su relación con el espacio, la rapidez de la obra y su aparente simplicidad lo que más me ha llamado la atención en estas obras




En la última sala, titulada “En busca de la abstracción” con obras creadas entre 1946 y 1950, se nos muestra ya sus tanteos más directos en la abstracción. El color comienza a abandonar los límites, a manifestarse con más libertad y fuerza, como es el caso de Lavanderas (1950) que es, a mi parecer, la obra mas interesante de la exposición.





La síntesis geométrica está cada vez más presente y su trato con el color comienza a ser mas certero. Gracias a la simplicidad en sus formas, la obra comienza a mostrar una inmensa gama de texturas. Sigue mostrándonos las pinceladas atrevidas, bruscas y cargadas de materia, pero también aparecen muchas texturas suaves, punzantes, agresivas y despreocupadas. Sus composiciones son complejas y armónicas. Un ejemplo de todo esto puede ser Palomas (1949).





Algo que realmente me a parecido certero en la exposición es el no limitarse a mostrar sus cuadros ya finalizados y acercarnos también al mundo del boceto. En cada una de las salas aparecen diferentes bocetos de las obras. Algunas están presentes, ya acabadas, y eso nos permite poder compararlas.

La frescura de los bocetos, la fuerza que poseen por si solos, su naturaleza casi esporádica... me parece extraordinaria y es algo que he valorado mucho en esta exposición.



domingo, 17 de mayo de 2009

Youniverse


La exposición de la Bienal de Sevilla en Carlos V, "Youniverse", destaca por ser extraordinariamente interactiva con el visitante. Pocas exposiciones permiten al usuario sentirse participe de las obras. Esta no pasa desapercibida, no es algo neutral que se encuentra expuesto en una galería ya que el visitante, al verse integrado en ellas, al percibir que es parte de esa obra, se ve obligado a mostrar una postura.

No hace falta que el espectador sea un erudito en arte para poder valorar la exposición ya que esta a tenido el acierto de utilizar el lenguaje de nuestra época. Ha utilizado unos materiales con los que estamos muy identificados en nuestra vida pero que sin embargo, todavía nos parece extraño ver en una exposición y eso es, quizás, lo que le hace tan atractivo.

Youninverse nos muestra diferentes obras en las que el protagonista suele ser la tecnología y el avance, sorprendiendo con proyecciones de efectos en tres dimensiones, robots, objetos brillantes, luces, colores, videos....Mediante el median art parecen que las obras cobren vida.


Nos habla de nuestra sociedad, con un lenguaje actual, totalmente adaptado a nuestra época. Es una gran apuesta ya que el arte se a visto eclipsado por la información masiva que ahora aborda a todo el mundo. Esta exposición se a servido de nuestro universo tecnológico, del lenguaje de esta información masiva; a logrado hacerse paso en este ambiente para no pasar desapercibido, para no quedar anticuado, para poder seguir adelante en una época en la que la tecnología se reforma a una velocidad vertiginosa. Ha llamado la atención de una manera efectista para poder así transmitir el mensaje de cada autor.

El mayor ejemplo de esto podria ser la instalacion de T_Visionarium 2008 de Neil Brown, Dennis Del Favero, Jeffrey Shaw, Matthew McGinity y Peter Wibel. La obra envuelve al espectador de informacion pudiendo seleccionar lo que quiere ver y oir en cada momento como si se encontrara en el centro de una television gigante que proyecta todos los canales a la vez.


"Youniverse" nos a sorprendido con obras como la de Globe-jungle, una proyección con efectos tridimensionales de un columpio con niños que da la sensación de haber sido trasladado a la galería o la obra de ki-Bong RHEE, Dancethology que , a simple vista, parece que haya enjaulado a unos libros voladores, lo cual consigue a través de una ilusión óptica con el juego de libros de plástico que se mueven en un acuario.

La exposición contiene un alto porcentaje de obras multimedia, como el video de Bill Violas : The reflecting Pool, el de Adeb Abdessemed o el Korean Eight-fold Screen de Lee-Nam que a pesar de que se proyecte sobre unas pantallas a modo de biombo no dejan de ser un video con un soporte diferente lleno de originalidad, sensibilidad y con un alto nivel estético.


El hecho de que los autores sean internacionales, que diferentes culturas se presenten en una misma exposición, ayuda a la diversidad en esta. Aunque el lenguaje utilizado sea el mismo y muchos temas de las obras aborden el mismo concepto, los aportes culturales de cada autor y ayudan a que cada obra tenga su identidad y su matiz.


No solo podemos encontrar videos y median art en la bienal de Sevilla. Una de las obras que mas llamó mi atención fue Cyborg Lion 2008, de Jon-Ho Ji, una escultura de león que utiliza el neumático como material. Es casi una metáfora de la velocidad y la potencia, como un símil o guiño al automóvil. Un material actual que difícilmente se saca del contexto industrial, un material no identificable con el arte.

Las esculturas robóticas , como las de Bong-Chae en Son Scent of Andalucia stones 2008, son altamente efectistas. En este se pretende crear una naturaleza artificial con robots de flores que se abren y se cierran sobre piedras de acero.




No considero que Youniverse adquiera una unidad a través del mensaje, sino del lenguaje. Y cada obra nos habla de algo nuevo.

Por ejemplo, el video de Eugenio Ampudia, en el que retransmite un partido de fútbol en el que el libro hace las veces de pelota. Esto puede fácilmente interpretarse como una metáfora visual que critica el menosprecio de la cultura que hay en nuestra sociedad. Al igual que la obra ya citada “Dancethology” que puede también tener alusiones a la cultura, a la libertad de expresión, a las ideas, la comunicación....


Inevitablemente, la aparición de la tecnología en toda la exposición abre el debate entre lo artificial y lo natural, lo nuevo y lo antiguo y si hubiera que elegir una temática seria esa ya que muchas obras parecen tener esa discusión.

Como en las ya citadas Cyborg Lion 2008 o en Son Scent of Andalucia stones 2008 en el que se representan cosas naturales a través de medios totalmente artificiales o la de Globe-jungle, un columpio que se asocia fácilmente a lo antiguo proyectado de una manera casi futurista.


En cualquier caso considero que se mantienen en una situacion optimista ante lo nuevo y ante la creación del hombre a través de la tecnología pero que, en cualquier caso, da cabida a múltiples interpretaciones.

Gregor Schneider










Gregor Schneider nació en 1969 en Rheydt, un pequeño pueblo cerca de Münchengladbach, al oeste de Alemania, ciudad donde todavía vive y en la que trabaja. Este lugar está muy ligado a su creación artística y es la base de su comienzo.


Gregor Schneider dijo un día que consideraba la acción como algo más elevado que el pensamiento. Quizás es por esto que el artista modifica las habitaciones de su casa en Rheydt de tres niveles convirtiendo su reconstrucción viva y dinámica, siempre cambiante, en una obra de arte. Juega con sus habitaciones haciéndolas mas pequeñas a través de la superposición de muros, aislándolas de ruidos, haciéndolas desaparecer, ocultando las salidas, incluso dotándolas de movimiento haciendo que giren sobre su propio eje lentamente. Uno
de los actos artísticos que realiza es invitar a personas, mediante cartas personales, a simplemente conversar, tomar café y comer torta. Muchos, incluso, se hospedan allí mismo, en una de las habitaciones intervenidas, la Gästezimmer (habitación para invitados). Una pequeña habitación, más cercana a la estética de un hospital o una cárcel modernos. .


Tantas transformaciones ha sufrido su hogar que el artista ahora es incapaz de devolverla a su estado inicial. Ya cuando era estudiante (estudió en Munich y Hamburgo) trabajaba en la reconstrucción de su casa.





Cuando la obra está concluida Gregor Schneider hace fotos y videos de su casa, filma largas secuencias estáticas del interior o la recorre cámara en mano para que esto sea testigo de las mutaciones que sufre su hogar y luego, vuelve a reconstruirla. Así durante mas de quince años, desde 1985 hasta que, en la Bienal de Venecia de 2001,en el Pabellón Alemán, el artista decidió hacer una reproducción de su casa y exponer así e el público un espacio que debería ser privado ; dejándonos entrar en su hogar y poder presenciar, en cierta forma, la relación que guarda el artista con su casa, su relación con el espacio, permitiéndonos interactuar con ello, con sus ambientes claustrofóbicos, repetitivos y obsesivos. Esta obra llamada Haus Ur (Su nombre deviene de “umgebauter Raum” (espacio reconstruido-modificado) a “unsichtbarer Raum” (espacio invisible). A su vez, Ur hace referencia a lo primigenio ) fue, además de la que le hizo ganador del León de Oro a la mejor participación nacional, la que le otorgó la fama de ser “el artista más lúgubre” e hizo que su obra pudiera diseminarse en diferentes exposiciones y colecciones internacionalmente. Desde entonces ha expuesto individualmente en muchos de los museos más importantes del mundo como el MoCA de Los ángeles o la Kunsthalle de Hamburgo

La Haus Ur se trata de una instalación de dos plantas, con un hall, ventanas que dan supuestamente al exterior y puertas que comunican las habitaciones. Muchas de estas puertas están trabadas, y solo una lleva a un pasadizo oscuro y estrecho en el que comienzas una trayectoria clandestina, llena de lugares lúgubres, ilógicos, laberínticos y ambientes totalmente claustrofóbicos, opresivos y agobiantes en los que puedes encontrarte con elementos en descomposición (incluso alusiones a cuerpos humanos putrefactos) y para colmo es muy difícil avanzar dado que el entorno te obliga a agacharte o, incluso, arrastrarte para ello.


El espectador queda confuso, perdido y con cierta sensación de angustia y soledad , con la idea de estar huyendo y escondiéndose de algo o de alguien cuando se adentra en una de estas obras.


A mi parecer, este estilo de instalaciones son las obras mas interesantes y características de Gregor Schneider. Son obras de un carácter muy íntimo y llegan a ser tan interactivas que podría llegar a verse como un juego de no ser por el tipo de ambiente que recrean. Aún así la sensación que produce recorrer sus estancias debe de ser similar a vivir una película de terror en el que tu juegas el papel que tu mente te sugiera.




Weisse Folter (Tortura blanca) es otra de las instalaciones que sigue este procedimiento. Es un proyecto ideado para K21 en Susseldorf. Gregor Schneider intervino el sótano para crear una obra que alude claramente a Guantanamo en el que se denuncia los métodos utilizados por los militares hacia los prisioneros. Las habitaciones, las paredes...toda la instalación actúa como si fueran testigos de aquellas barbaridades y reflejan en cierta manera la sensación de estar prisionero, transportándonos a las celdas de una prisión. Como en sus anteriores obras, la ausencia del ser humano en las instalaciones, hace que este se haga mas presente y sus enrevesados laberintos, los lugares fríos, la austeridad de el ambiente, las salas agobiantes... acentúan los sentimientos de soledad y angustia. Todas las sensaciones se amplifican con el cambio de ambiente que el autor va haciendo en cada una de las salas, llegando a envolvernos en la oscuridad o trasladándonos a una cámara frigorífica.

No todas las instalaciones de Gregor Schneider están dotadas de una implícita presencia humana sino que también las hay con una presencia explicita como en el caso de las dos casas gemelas en el corazón de Manhattan. El espectador podía presenciar la intimidad de los ocupantes: una mujer lavando la vajilla, un hombre masturbándose y un niño asfixiándose dentro de una bolsa. O en la obra Bondi Beach que consiste en un conjunto de jaulas de metal de 4x4 m. que dispuestas en una playa australiana. Con ella se intenta explorar las libertades y practicas de los espacios públicos a través de las personas que pasan de ser espectadores a fusionarse con la obra.



Otro de los intereses de Schneider es la figura de la Kaaba, en La Meca, en la que ve una posibilidad de expresar su preocupación sobre la brecha entre lo privado y lo público, idea que ya a ido reflejando en sus instalaciones . La Kaaba es un lugar hacia el que miran mil cuatrocientos millones de personas y paradójicamente es un lugar totalmente privado y cerrado al público.

Schneider trabaja con la imagen del cubo, creando obras escultóricas de grandes dimensiones, carente de narración pero bastante simbólicas. De hecho, fue causa de una gran polémica ya que a el cubo negro, de 14 metros de alto y 13 metros de largo y ancho, le fue denegada su instalación en Venecia y Berlín al considerarlo demasiado provocador políticamente, y en Hamburgo, donde se instaló ante el Pabellón de Arte local causó mucho revuelo




Actualmente el polémico Gregor Schneider ha dado lugar a un debate a raíz de un nuevo proyecto en el que pretende exponer la muerte de una persona. Schneider declara que “la idea de mostrar la belleza de la muerte “le persigue desde 1996 aunque es consciente de que llevarlo a la práctica no le será sencillo. Para ello realizará una exposición de cadáveres y enfermos terminales.

Schneider tiene claro el ambiente en el que le gustaría exponer su obra: en el Museum Haus Lange de Krefeld, al oeste de Alemania, pero hoy en día ningún museo acepta poner en exhibición su nuevo proyecto,

Sin embargo ha encontrado ya un candidato para la muerte. Un coleccionista de arte muy enfermo, del cual no se ha revelado aún la identidad, se ha prestado para colaborar en la exposición.

Los pacientes moribundos y sus familiares tienen decisión sobre la obra de Schneider ya que el autor intenta “ construir lugares humanos para la muerte, donde la gente pueda morir tranquilamente", en un espacio que “ aporta la dignidad y la protección" y por tanto los pacientes no estarán expuestos en su totalidad para que el público pueda pasarles casi desapercibidos.



La idea no le es grata a las autoridades alemanas y a las ONG que trabajan con pacientes terminales pero Schneider opina que "La realidad de la agonía en las clínicas, las salas de cuidados intensivos y los quirófanos alemanes es terrible. Este es el escándalo. La muerte y el camino hacia ella es hoy un sufrimiento.

El enfrentamiento con la muerte, como yo lo proyecto, puede quitarnos el miedo a la muerte",


No es la primera vez que la muerte está presente en el arte: Habacuc, a través de la muerte de hambre de un perro atado o Marco Evaristti con su licuadora de peces vivos son ejemplos de ello.

La diferencia es que aquí hablamos de personas lo que quizás pueda darnos mas razón a la hora de alertarnos puesto que la muerte está en nuestra sociedad desnaturalizada y es prácticamente un tabú. Sin embargo la conciencia de los familiares y los pacientes sobre la exposición debería de servirnos como atenuante en este debate. Solo queda preguntarse, -como lo ha hecho la diputada del Partido Verde del estado de Renania del Norte-Westfalia, donde Schneider pretende exponer su obra- ¿que espectador quiere ver a los moribundos “ como se ve a los animales en un zoológico”?. ¿Podremos diferenciar en esta obra los límites entre el morbo y el arte?

Realmente esta no es la única obra que nos hace llegar a esta pregunta. En mi opinión todas las obras de Schneider juegan un dilema moral. Intenta demostrarnos los límites entre lo privado y lo público a través de sus obras pero muchas de ellas tienen un límite difuso entre lo artístico y la morbosidad quizás impuesto por la temática de la intimidad humana. Lo que nosotros entendemos como algo sumamente privado, Gregor Schneider tiene la desfachatez o el mal gusto de hacerlo público.

Creo que Schneider nos demuestra nuestro deseo de conocer lo intimo de las personas ajenas. Este morbo esta muy presente en nosotros y queda más que demostrado a través de los medios de comunicación que ganan audiencia con los temas privados de personajes mas o menos famosos. O quizás Schneider nos intente demostrar nuestros tabúes unidos a esta idea de lo privado y lo incorrecto, destrozándonos sus limites.

No queda duda de que Gregor Schneider se trata de un personaje excéntrico, con una personalidad y características que no se sabe si ha sido buscada y trabajada a modo de cebo para captar la atención, o es, simplemente, un fenómeno natural.